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Qu'est ce qu'un artiste ?

Par a.mel   •  22 Septembre 2021  •  Dissertation  •  2 179 Mots (9 Pages)  •  1 998 Vues

QU’EST-CE QU’UN ARTISTE ?

        La réponse au sujet pourrait paraître simple ; il suffit d’ouvrir le dictionnaire pour y trouver la définition du mot « artiste » : un individu qui produit des œuvres d’art. Cette définition nous laisse un peu sur notre faim. Un artiste produit des œuvres d’art… et après ? On considère une œuvre d’art comme un artefact qui se distingue des autres par son absence d’utilité pratique, en somme, elle n’existe que pour son esthétisme. L’art est alors, au sens moderne, une création artistique créée dans une recherche du beau ; le terme « beaux-arts » distingue d’ailleurs le mot de son sens ancien qui définit l’art comme l’ensemble des créations utiles. Si l’on développe alors la définition initiale du mot « artiste » on a : un individu qui produit des artefacts dans un but uniquement esthétique, recherchant la beauté au sens large. Cependant, une question reste en suspens. En effet, le terme « individu » sous-entend que n’importe quel homme est un artiste. L’artiste se distingue-t-il de ses semblables ou bien sommes-nous tous artistes ? On peut affirmer dans un premier temps que l’artiste se détache du reste des Hommes de part sa capacité à créer mais tout de même montrer que la création artistique est commune à tous. On finit en argumentant que l’artiste ne nait pas ainsi mais qu’il le devient.  

        On peut d’emblée affirmer que l’habilité de l’artiste à créer ou trouver du beau en chaque chose qu’il voit n’est pas universelle. On parle souvent d’un don pour qualifier le talent d’un artiste avec l’idée d’une capacité innée qui s’obtient par un jeu de hasard. Ce don a une image presque inaccessible dans l’inconscient collectif qui pousse les individus à regarder avec admiration leurs pairs qui en possèdent un (ou plusieurs s’ils ont été vraiment chanceux). L’admiration ressentie pour ces artistes ne se définit pas que d’individu lambda envers artiste ; durant le XVIIème siècle, les artistes étaient de réels admirateurs de leurs prédécesseurs de l’Antiquité en tentant de se rapprocher de leurs travaux qui étaient considérés comme un exemple inégalable pour les autres. Par conséquent, l’idée que l’artiste n’est qu’un individu doué à placer au-dessus des autres car il possède une habilité peu commune persiste. Peu de gens s’estimeraient et seraient capable d’égaler l’art de Rimbaud en littérature par exemple, pour la simple et bonne raison qu’ils ne possèdent pas cette aptitude à manipuler les mots pour en faire des textes parlant à la subjectivité de chacun. Voilà également une autre qualité de l’artiste qui le distingue des autres individus : il peut instaurer des sentiments dans l’esprit de celui qui pose le regard sur son œuvre ; ses sentiments peuvent être divers et variés : curiosité, tristesse, indignation, joie, etc. Sûrement relié à sa sensibilité exacerbée, l’artiste arrive à transmettre les ressentis qu’il souhaite dans les œuvres qu’il crée. Ainsi, s’il veut nous montrer la beauté d’un paysage, comme le faisait Monet, il sera en mesure de montrer le regard qu’il a posé sur ce paysage : c’est-à-dire de le montrer subjectivement en mélangeant les émotions qu’il ressent à ce qu’il voit. Le spectateur de l’œuvre verra alors le paysage comme l’artiste et le temps d’un instant c’est comme s’il ne faisait qu’un. Une fois de plus, nous serions pour la plupart incapables de donner à nos émotions une dimension physique pour les partager au plus grand nombre. Cette aptitude est également valorisée dans l’art aujourd’hui (comprendre actuellement car selon les époques on appréciait plus ou moins l’exacerbation des sentiments dans les œuvres). Un chanteur qui aura fait une performance où l’on sentira des émotions fortes sera retenue pour des années à venir comme mythique (je pense à, par exemple, l’interprétation de « Bohemian Rhapsody » par Freddie Mercury en 1986 à Wembley). Les œuvres créées par les artistes sont donc directement liés au ressenti propre de l’individu, ce qui donne des œuvres qui sont toutes uniques. Dès lors, l’artiste a (en plus de tout le reste) une capacité à créer des œuvres originales et qui lui sont propres. Il est impossible de créer deux Joconde, c’est une œuvre qui est propre à son peintre et qui même reproduite à l’identique ne saurait être reconnue comme œuvre d’art à proprement parler, d’où le fait qu’on détache l’artiste du simple individu.  Cette originalité certaine distingue elle aussi les artistes des autres humains ; quand on dit de quelqu’un qu’il a « une âme d’artiste », on sous-entend souvent que sa façon de penser est un peu marginale et qu’elle ne rentre pas dans les codes auxquels les autres se conforment sans trop de problèmes. Le talent de l’artiste lui implique donc un mode de réflexion qui va se révéler dans les interactions avec les autres et montrer cette différence. Maintenant, les artistes font malgré tout parti de l’espèce humaine dès lors, on peut penser que la créativité artistique est commune à tous.

        Si l’on se base sur la thèse de Hegel pour prouver la nôtre, on part du principe que la création artistique est naturelle et en chacun, et que c’est même un besoin de produire et voir ce qui est sien. Un enfant va naturellement prendre un crayon de couleur pour gribouiller sur une feuille ou faire des sculptures de pâte à modeler ; on considère notamment qu’il est important qu’un enfant développe sa créativité dès son plus jeune âge : dans son foyer familial et dès la maternelle, on va le faire peindre, dessiner, chanter, etc. On note d’ailleurs que la création d’objets par un enfant lui apporterait une certaine confiance en lui et une capacité à s’exprimer différemment qu’il pourra exploiter plus tard. La volonté de créer du beau est donc ancrée dans nos esprits et chacun est à même d’exprimer sa créativité. La création est donc commune à tous les hommes sans distinction. Dès lors, si l’on reprend l’exemple de Rimbaud, nous serions tous à même d’écrire comme lui puisqu’il est un humain comme nous et que nous partageons tous le même besoin de création artistique. Maintenant se pose le problème de la sensibilité transmise dans les œuvres : on peut alors affirmer que notre seule capacité à ressentir nous rend capable de la transmettre en partant de ce raisonnement ; les émotions sont universelles, nous ne les ressentons pas de la même façon mais elles nous sont communes. Dès lors, chaque humain comprend les émotions que l’autre ressent et s’y identifie. L’artiste ne se détache alors pas de ses semblables puisqu’en ressentant, nous sommes tous à même d’exprimer nos sentiments. Si demain, je connais une épreuve qui me rend d’une tristesse indicible et que je décide pour exprimer et extérioriser ma peine d’en faire un sonnet, je serais alors à même de me considérer comme artiste. Je transmettrais alors mes sentiments à travers de mes mots et chacun qui les lira saura les comprendre et calquer ses expériences personnelles sur le texte que j’ai écrit. Les individus peuvent alors se considérer artiste dès lors qu’il crée quelque chose qui relève de l’art. Les œuvres créées sont dit-on uniques et originales. Or, l’inspiration de l’artiste peut être quelque part biaisée cette originalité ; c’est-à-dire qu’une œuvre n’est jamais vraiment unique puisqu’elle s’inspire de ce qui à déjà été fait ou dû. Les œuvres se rangent souvent dans un mouvement artistique qui les définit en quelque sorte. Les œuvres romantiques ont par exemple pour référence l’art antique donc malgré tout elles sont originales mais pas tant « unique » puisqu’elles découlent de facteurs qui biaise le caractère unique des œuvres qui sous-entend que chaque œuvre créée par un artiste est une rupture avec tout ce qui a été crée avant. La Joconde n’est tant pas donc unique puisque les portraits de femmes qui datent de la Renaissance sont extrêmement nombreux et finalement suivent les mêmes techniques ; on peut affirmer cela rien qu’en regardant les autres portraits de Léonard de Vinci qui sont similaires de part les techniques de peinture. Arrivé ici, il nous reste un problème à résoudre : si l’art est à la fois un don et commun à tous, qu’est ce que fait que certains soient considéré comme artiste et d’autres non ?

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Qu'est-ce qu'un artiste ?

Extrait du document.

« La question « qu'est-ce qu'un artiste ? » nous invite à porter notre effort de réflexion sur ce qui définit un artiste, c'est-à-dire à déterminer ce qui le caractérise en lui-même, et relativement à ce qu'il n'est pas. C ette activité de conceptualisation de la nature propre de l'artiste nous amènera donc à cerner les contours de son ipséité (ses caractéristiques intrinsèques) et ceux de son altérité (c'est-à-dire ce qui le distingue de ce qui n'est pas lui). Le premier réflexe que nous pouvons avoir pour répondre à la question posée est tout simplement d'ouvrir un dictionnaire, qui nous donnera peut-être un signifié acceptable pour rendre raison du terme « artiste ». Ouvrons Le petit Larousse : un artiste y est défini comme « une personne qui pratique l'un des beaux ou l'un des arts appliqués, c'est-à-dire le vaste secteur d'activités des designers » (ceux qui réfléchissent et travaillent la forme et la fonction de tout ce qui entoure l'individu: objets, habitat, vêtements). Cependant, loin de répondre à la question « qu'est-ce qu'un artiste ? » cette définition fait plutôt surgir les problèmes qu'il nous faudra résoudre pour y parvenir. En effet, l'artiste est celui qui pratique les beaux arts ou les arts appliqués. Il nous faudra donc déterminer si une définition propre de l'artiste doit accueillir ces deux activités distinctes, ou au contraire se resserrer autour de la pratique d'une activité singulière. La question qui guidera notre réflexion sera de définir l'artiste en fonction de l'activité qui le caractérise dans son ipséité et son altérité par rapport aux autres créateurs d'artefacts. I. a. L'artiste, un artisan parmi d'autres ? Les critères de l'identification de l'artiste à l'artisan Jusqu'au dix-huitième siècle, le terme « art » désignait l'ensemble des techniques de production d'artefacts : tel était encore le cas dans le Discours sur les sciences et les arts (1750) de Jean-Jacques Rousseau. A insi, l'activité de l'artiste et celle de l'artisan étaient recouvertes par le même terme. Il semble que l'artiste peut s'identifier dans un premier temps à l'artisan, car il procède par application d'une technique, d'une part, mais aussi parce qu'il est un modeleur de matières au même titre que l'artisan. En effet, qu'il soit sculpteur, musicien, ou écrivain, l'artiste imprime une forme au marbre, aux sons, aux mots, et ce, au même titre que l'artisan à la terre cuite, par exemple. b. L'irréductibilité de l'artiste à l'artisan Malgré la possibilité d'une identification entre l'artiste et l'artisan, nous pouvons néanmoins les distinguer. En effet, le propre de l'artiste est que son activité ne peut être enseignée : l'artisan fonctionne par reproduction d'une technique ; l'artiste par variation et renouvellement de la technique héritée de ses prédécesseurs. D'autre part, les productions de l'artiste ont une pérennité plus grande, et sont associées à un nom, une signature, car elles sont extériorisation de l'intériorité d'un individu, et non application mécanique de règles impersonnelles, comme c'est le cas chez l'artisan. II. L'artiste, un homme à part ? a. La conception romantique de l'artiste Pour les romantiques, l'artiste était d'abord celui qui vivait en marge de la société, il se distinguait donc radicalement des artisans, mais aussi des autres hommes. C 'est ainsi que le peint Baudelaire dans le poème bien connu des Fleurs du Mal : L'albatros. A insi, ce qui distingue l'artiste est peut être d'avoir un talent qui le sépare du commun des mortels. L'artiste se définit donc par son ipséité (le talent) et son altérité (il est foncièrement différent de ses contemporains). b. Le génie comme critère définissant l'artiste La conception romantique de l'artiste est tributaire de la réflexion Kantienne. Les seuls artistes sont peut-être ceux que Kant nomme les « génies ».

Pour Kant, le génie est " le talent naturel qui donne ses règles à l'art"(§. 4 6 C ritique de la faculté de juger). A insi le génie procède sans règle, en exprimant seulement sa nature originale puisque « l'aptitude propre au génie ne peut être communiquée et elle est donnée immédiatement à chacun en partage de la main de la nature ; elle disparaît donc avec lui, jusqu'à ce que la nature confère à un autre les mêmes dons ». (C ritique de la faculté de juger, §. 47). Pour Kant, le propre de l'artiste est d'être un génie, c'est-à-dire un créateur par nature. Il est donc un homme à part, il ne le devient pas. III. L'artiste, le plus acharné des travailleurs ? a. La capacité de travail intense, le propre de l'artiste ? "T ous les grands hommes étaient de grands travailleurs, infatigables quand il s'agissait d'inventer, mais aussi de rejeter, de trier, de remanier, d'arranger" NIETZSC HE Humain, trop humain, I, C hap. IV , aph. 162 La position de Nietzsche nous invite à reconsidérer notre distinction initiale : dans la perspective Nietzschéenne, il n'y a pas lieu de distinguer entre l'artisan et l'artiste, puisque tous les deux sont des travailleurs. Si l'art est d'abord le produit d'un travail considérable, et non la faculté innée réservée à quelques « génies », alors l'artiste est intrinsèquement un travailleur. C e qui le distingue des autres travailleurs est peut-être l'intensité de l'activité dont il est capable : il n'est pas seulement travailleur, mais travailleur « infatigable » comme le dit Nietzsche dans l'aphorisme cité plus haut. D'autre part, son travail n'est pas orienté vers la réalisation d'une fin clairement déterminée en amont du processus de production, mais il modifie le but à atteindre au cours de ce processus. b. L'artiste, celui qui renouvelle les règles de son activité au cours de sa réalisation A ce stade de notre argumentation, un nouveau problème se pose à nous, qui nous ramène au premier temps de notre réflexion. En effet, il semble qu'en faisant de la capacité de travail intense un critère définitoire de l'artiste, nous revenons sur notre distinction initiale entre l'artiste et artisan. Il semble qu'un travail intense peut être également pratiqué par un artisan, ou par n'importe quel travailleur de l'esprit. Un grand scientifique peut mener un labeur considérable avant d'aboutir à une théorie nouvelle. M ais pour autant, nous ne sommes guère enclins à le qualifier d'artiste. C ette réticence s'explique par une différence essentielle entre les créateurs d'artefacts ou de productions de l'esprit, d'une part, et les artistes, de l'autre : l'artiste est celui qui renouvelle les règles mêmes de son activité au cours de sa réalisation. A u contraire, l'artisan ne fait qu'appliquer la technique qu'il a reçue par l'enseignement d'un maître ; et la théorie nouvelle du scientifique est fondée sur des théories passées. Elle n'est pas créatrice, au sens où elle est moins un surgissement ex nihilo qu'une continuation de ce qui l'a précédée. En revanche, l'artiste, dans son travail, modifie les règles qu'il a reçues de l'histoire de son art. Par exemple, un grand romancier invente une technique romanesque qui se distingue de celle pratiquée par ses prédécesseurs, et cette création se fait au cours de son propre travail (cf. les analyses de Nathalie Sarraute dans son essai intitulé L'ère du soupçon). Conclusion : L'artiste se distingue de l'artisan par la pérennité, la singularité et l'originalité de ses artefacts. A la conception romantique et Kantienne de l'artiste comme être à part, génie, élu, nous pouvons préférer celle qui le définit comme un travailleur acharné. L'artiste est donc celui qui a la capacité de travailler intensément, et qui utilise cette capacité pour renouveler les règles de son médium.. »

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Des artistes, pour quoi faire ?

Note obtenue: 14/20. Sujet rédigé par une élève de terminale L.

L'art entoure l'homme en permanence, sans qu'il en prenne réellement conscience. Dans notre société l'art est inévitable. On le trouve un peu partout, dans la rue, à la télévision, à la radio? On peut en déduire donc que les artistes, partisans de l'art, tiennent une grande place dans notre société. On pourrait alors se poser la question : Pourquoi les artistes ? Que nous apportent-ils ? Quelle place tiennent-ils dans la société de tous les jours ? Quel bonheur et quel but peut-on trouver en devenant artiste ?

Tout d'abord, on pourrait se demander : « qu'est-ce qu'un artiste ? » L'artiste est une personne qui pratique l'art. Le pus souvent, c'est une passion qui amène à pratiquer l'art, même si certains le pratiquent par nécessité. Les artistes sont des ignorants de leur identité car eux-mêmes ne savent pas qu'ils sont des artistes. C'est par le jugement du spectateur qu'on les déterminera artiste. L'artiste peut toucher de près ou de loin à l'art, mais il n'affirmera jamais qu'il « fait de l'art ». C'est par son originalité, sa singularité dans sa manière de faire qu'on dira qu'il « fait de l'art », donc que c'est un artiste. L'artiste peut toucher à toute forme d'art : l'écriture, la musique, la peinture et de nombreux autres travaux qui sont la plupart manuels, mais qui proviennent d'abord d'une réflexion et une inspiration. Mais telle n'est pas réellement la question. Ce serait plutôt de savoir pourquoi y a-t-il autour de nous autant d'artistes ? Que nous apportent-ils ?

Les artistes peuvent nous montrer certaines choses auxquelles nous sommes aveugles. Ils peuvent nous ramener à la réalité. Des réalités qui nous sont cachées parce que notre tête est encombrée de tellement de choses qu'elle en oublie de revenir sur terre. Encombrée de soucis, d'habitudes qui nous masquent la réalité des choses et de notre monde. Telle est ici la thèse de Kant qui voit en l'art un effet positif et bienfaisant pour l'humanité puisque l'artiste montre la réalité. Par exemple le poète peut exprimer dans ses vers des sentiments que nous ressentons tous les jours mais qu'on oublie si souvent de montrer. Cela peut-être la tristesse, la peine que l'on a en soi-même ou un amour très fort. Cela peut-être aussi le cas pour le peintre. A travers ses tableaux, l'artiste peut montrer les horreurs dans le monde tels que la guerre, ou bien la famine, la pauvreté. Des réalités qui sont oubliées par notre train-train quotidien. Ca peut-être une sorte d'appel, de message donné o

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Exemple de sujet : L’art nous détourne-t-il de la réalité ?

Le problème consiste ici à remarquer que le statut de l’art est ambigu. L’art procède initialement d’un travail technique qui a pour but de produire une représentation esthétique, c’est-à-dire une oeuvre qui se montre. Mais, pour autant une oeuvre d’art n’est jamais totalement autonome dans le sens où elle représente toujours quelque chose, que cette chose soit une réalité physique (un objet du monde par exemple) ou une idée abstraite qui décide l’auteur de l’oeuvre à la créer. L’art est donc une forme de langage qui n’est pas vraiment autonome, mais qui re-présente ce qui a déjà été présenté. En ce sens, si une oeuvre traduit ce qu’un auteur, un artiste a cherché à y montrer, l’oeuvre d’art n’est jamais vraiment elle-même sans pouvoir non plus être autre chose qu’elle-même, sans pouvoir se substituer à ce qu’elle montre ou décrit. Se poser la question du rapport de l’art à la réalité traduit ce paradoxe puisqu’il semble que l’art est à la fois une production autonome qui a une existence esthétique propre et une illusion qui ment sur elle-même et se fait passer pour une réalité qu’elle n’est pas et dont elle détourne.... [voir le corrigé complet]

Dictionnaire de philosophie en ligne

Définition de « Artiste »

Artiste (nom commun).

• Alice Guy, Norma Tanega ou SMITH sont des artistes.

Qu’est-ce qu’un ou une « artiste » ?

Une définition en suspens.

L’artiste fait de l’art, c’est celui qui produit des œuvres. Et après ? La définition du mot « artiste » est rendue difficile par l’indétermination du concept d’art. On ne sait pas trop ce qu’est l’art et pourquoi on dit « art » telle ou telle chose.

Décider de qui est artiste et pourquoi devient rapidement problématique. Est-on artiste parce qu’on produit de l’art ? Ou l’art est-il ce qui est produit par un artiste ? Les deux perspectives se défendent, mais la définition circulaire n’est pas loin.

On présente en général comme « artistes » des professionnels de la production d’œuvres. Est artiste celui dont l’activité principale et source de revenu est la production d’art. Les artistes qui pratiquent un art unique sont généralement désignés par un terme spécifique. Un artiste musicien est d’abord présenté comme guitariste, bassiste, etc. On parle de peintres, de photographes, de sculpteurs, etc.

C’est seulement lorsque les contributions s’étendent à plusieurs domaines qu’on parle d’artiste. Salvador Dali est artiste : peintre, sculpteur, écrivain, tout ça ne suffit pas à décrire son activité.

On utilise aussi « artiste » lorsque le domaine d’exercice de l’art n’est pas évident. Invader , qui colle des mosaïques en forme de personnages pixelisés dans les villes, est un artiste. Un street artist précisément. Là encore le mot « artiste » est prégnant dans sa dénomination.

Un terme ambivalent

« Artiste » a une connotation ambivalente. Le mot est ainsi utilisé dans des contextes opposés :

• intention laudative : on valorise la personne désignée
• intention dépréciative : on critique la personne

Désigner comme « artiste » peut être positif. Dire qu’un comédien est un artiste est mélioratif : on joue sur la connotation de « artiste » pour indiquer que l’individu n’est pas seulement acteur, il fait quelque chose de noble, de l’art. Cet usage évaluatif est souvent présent lorsqu’on parle des artistes non-professionnels. Si mon pote José joue de la guitare comme un dieu, c’est un artiste. Sinon, José, c’est un mec qui joue de la guitare. Point. On retrouve cet usage partout dans la langue courante.

Inversement, on peut utiliser « artiste » avec une intention critique. « C’est un artiste, il est un peu… Vous voyez… Enfin c’est un artiste quoi ». Ici « artiste » joue sur le cliché de bizarrerie des artistes. Les artistes sont « à part », pas comme les gens « normaux »… et ce n’est pas un compliment. Cet usage est tout aussi répandu que le précédent.

Une série de clichés

La figure de l’artiste est l’objet de très nombreux clichés. L’artiste serait par exemple :

• séparé du commun des mortels : il n’est pas comme nous
• forcément génial : sinon, ce n’est pas un artiste
• forcément « créateur » : il est comparé à Dieu

La division artiste / non artiste est un poncif extrêmement fréquent dans les discours sur l’art. Certains insistent sur le fait que, non, l’artiste n’est pas différent des autres gens. D’autres revendiquent cette différence. Dans son Journal d’un Génie, Salvador Dali explique à quel point il est génial et séparé du reste du monde. Sauf de sa femme, Gala, qui elle aussi est géniale.

Ce cri au génie est  également un cliché. Le nombre d’artistes mauvais et médiocres devrait rappeler qu’on peut être artiste sans produire quoique ce soit de qualité. Et on peut produire des chefs d’œuvres sans exubérance personnelle, par le travail, l’effort et la maîtrise de l’art.

Parler d’artiste « créateur » est un mélange entre l’aspect productif de l’art (producteur, production) et les connotations positives liés à l’artiste. Si l’artiste produit du nouveau, de l’original, de l’inédit, qu’il fait des miracles à partir de rien, il commence à ressemble r à Dieu .

Artiste et artisan

Voir aussi l’article Artisan

Historiquement, il n’y a pas de distinction entre artiste et artisan. La séparation entre l’activité du peintre et du menuisier n’est pas perçue. Un premier changement intervient à la Renaissance, puis un second, définitif, au XIXe. On considère généralement l’artisan comme producteur manuel d’artefacts utilitaires , mais la distinction reste partielle.

Le point commun entre l’artiste et l’artisan est la maîtrise d’une technique , d’un art. Mais cet élément a évolué en art contemporain. La technique de réalisation n’est plus toujours possédée par l’artiste, qui peut concevoir le projet sans effectivement le réaliser lui même. Dans certains cas, l’existence même d’une technique peut être contestée ( Ready made , monochrome).

L’artiste et son œuvre

La relation entre l’artiste et l’œuvre est complexe. L’œuvre ne se résume jamais à l’habilité technique de l’artiste ou à ce qu’il a voulu faire. Il y a systématiquement plus dans l’œuvre que ce que l’auteur a voulu y mettre. Certaines œuvres peuvent même tirer leur valeur de leur échec à réaliser les fins de l’artiste. C’est le cas de The Room de Tommy Wiseau : drame raté, le film a trouvé un public en tant que nanar .

Certains objets sont aujourd’hui considérés comme œuvre d’art, mais ne l’étaient pas à leur création. Quel est alors le statut de leur producteur ? Les hommes et femmes préhistoriques qui ont peint la grotte de Lascaux étaient-ils des artistes ? Le sont-ils devenus ? Si oui, pourquoi ? Si non, faut-il admettre qu’on puisse avoir des œuvres d’art sans artistes ? Certaines productions automatisées ou issues du hasard pourraient conduire à le penser.

À l’inverse, beaucoup d’œuvres mobilisent plusieurs artistes. Cinéma, théâtre, architecture : ces projets mobilisent régulièrement des dizaines d’acteurs. Tous ne sont pas artistes, mais tous participent à construire l’œuvre. Chercher l’artiste unique a qui attribuer l’œuvre a-t-il alors un sens ?

Sources utilisées

• Artiste, Dictionnaire de philosophie, Noëlla Baraquin, Armand-Colin, 2007
• Artiste, Dictionnaire de philosophie, Christian Godin, Fayard, 2004
• Artiste, Nouveau vocabulaire de la philosophie et des sciences humaines, Louis-Marie Morfaux, Jean Lefranc, Armand-Colin, 2005
• Artiste, Philosophie de A à Z, Collectif, Hatier, 2000

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Dissertations corrigés de philosophie pour le lycée

Catégorie : L’art

L’art, cette manifestation exceptionnelle de la créativité humaine, est bien plus qu’une simple expression esthétique. Il agit comme un miroir de l’âme collective de la société, suscitant des débats sur la signification, la perception et le pouvoir transformateur de la beauté. Au cœur de l’art se trouve la quête de compréhension de l’humain et de son rapport au monde qui l’entoure.

En art, tout s’apprend-il ?

La dissertation philosophique qui suit aborde la question fascinante : « En art, tout s’apprend-il ? ». De nombreux aspects seront examinés pour évaluer si l’art peut être entièrement enseigné ou s’il existe des éléments intrinsèquement innés.

• Dissertations

Dire que l’art qu’il n’est pas utilitaire, est-ce dire qu’il est inutile ?

Dans cette dissertation philosophique, nous nous interrogerons sur le rôle et la valeur de l’art. Si l’art n’a pas d’utilité pragmatique, est-ce pour autant qu’il est sans valeur ou même inutile ? Une réflexion qui questionne l’essence même de l’art.

Créer, est-ce rompre avec la tradition ?

La création artistique est souvent vue comme une forme d’innovation, impliquant une rupture avec la tradition. Cependant, cette dissertation se penchera sur la question de savoir si créer signifie absolument abandonner le passé et ses codes établis.

Apprécier une oeuvre d’art, cela s’apprend-t-il ?

La capacité d’apprécier une œuvre d’art est souvent vue comme innée. Cependant, la question se pose : est-ce que l’on peut apprendre à apprécier l’art ? Ce sujet complexe interroge le rôle de l’éducation dans notre rapport à l’art.

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Cette interrogation nous invite à réfléchir sur la nature de l’art et son rôle dans notre perception et notre compréhension de la réalité.

Beauté et utilité sont-elles incompatibles ?

La dissertation philosophique qui suit explore la relation complexe entre la beauté et l’utilité. Elle questionne si ces deux concepts sont incompatibles, ou si au contraire, ils peuvent coexister et se renforcer mutuellement dans divers aspects de la vie et de l’art.

Tout le monde est-il artiste ?

La question « Tout le monde est-il artiste ? » soulève des interrogations profondes sur la nature de l’art et de la créativité. Cette dissertation philosophique explorera les différentes perspectives sur ce sujet, en examinant les définitions traditionnelles de l’artiste et en les confrontant aux conceptions contemporaines.

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artiste Cet article est extrait de l'ouvrage Larousse « Dictionnaire de la philosophie ».

De l'italien artista .

Depuis le xviii e  s., praticien des arts du dessin (peintre, graveur, sculpteur) ; au xix e  s., le terme s'étend aux interprètes des arts du spectacle (musique, théâtre, puis cinéma), de sorte qu'aujourd'hui il évoque indifféremment Édith Piaf ou Picasso.

Accompagnant ces glissements sémantiques, le terme « artiste » connaît un changement notable dans sa connotation : de descriptif, il tend à devenir évaluatif, chargé de jugements de valeur positifs (« Quel artiste ! »). Ce processus traduit à la fois la valorisation progressive de la création dans les sociétés occidentales et une tendance historique – repérée par E. Zilsel depuis l'Antiquité – au glissement de l'œuvre à la personne de l'artiste ; à partir de la Renaissance, le point d'application du jugement esthétique se détache de l'œuvre créée pour aller vers la démarche de création, puis vers le créateur lui-même, inscrit à partir du romantisme dans un nouveau cadre de représentations qui définit l'activité comme vocation et l'excellence comme nécessairement singulière, marquée par une triple exigence d'intériorité, d'originalité et d'universalité.

Cet investissement de l'artiste en personne trouva sa plus spectaculaire incarnation dans le cas Van Gogh, moment fondamental dans la superposition de l'excellence biographique de l'artiste à l'excellence professionnelle du peintre : popularisé par l'exemplarité de sa vie autant que par la qualité de son œuvre, il incarne un « changement de paradigme », cristallisant en sa personne des qualités jusqu'alors réservées aux héros ou aux saints. S'ajoute dorénavant un critère éthique d'excellence dans la conduite : un artiste peut être grand par sa vie autant que par ses œuvres, voire par sa vie plus que par ses œuvres. En découle cette idée – devenue si populaire qu'on n'en voit plus l'incongruité pour la tradition antérieure – que l'on doive être « artiste » avant que d'être peintre, sculpteur ou, plus généralement, créateur ou interprète d'œuvres d'art.

Cette valorisation du terme entraîne une tendance à son extension, rendant les limites de la catégorie d'autant plus floues qu'elle devient prestigieuse. Ce flou s'accentue avec l'art contemporain, marqué par une constellation de nouvelles pratiques, d'où le succès récent du terme « plasticien » pour des activités mêlant peinture, sculpture, vidéo, photographie, scénographie, urbanisme, voire philosophie. Mais le déplacement de l'intérêt pour l'œuvre à l'intérêt pour l'artiste n'est pas prêt de s'atténuer avec l'art contemporain : même lorsque celui-ci tente de transgresser cette condition fondamentale de l'art qu'est l'assignation de l'œuvre à un auteur, il ne peut complètement court-circuiter la présence de l'artiste, dont la reconnaissance – notamment depuis Duchamp – apparaît de plus en plus centrale, voire première, dans l'accréditation des œuvres.

Nathalie Heinich

Notes bibliographiques

• Heinich, N., la Gloire de Van Gogh. Essai d'anthropologie de l'admiration , Minuit, Paris, 1991.
• Heinich, N., Du peintre à l'artiste. Artisans et académiciens à l'âge classique , Minuit, Paris, 1993.
• Kris, E., et Kurz, O., l'Image de l'artiste. Légende, mythe et image (1934), Rivages, Marseille, 1987.
• Moulin, R., et al., les Artistes. Essai de morphologie sociale , La Documentation française, Paris, 1985.
• Wittkower, R. et M., les Enfants de Saturne (1963), Macula, Paris, 1985.
• Zilsel, E., le Génie. Histoire d'une notion, de l'Antiquité à la Renaissance (1926), Minuit, Paris, 1993.

→  académie , art , avant-garde , sociologie de l'art (art)

Série S: L'artiste est-il maître de son œuvre?

Avertissement : il ne s’agit ici que de pistes de réflexion et non d’une copie type nécessairement attendue par vos correcteurs. D’autres approches, d’autres thèses et arguments sont possibles.

Remarque générale.

Sujet sans aucune difficulté particulière, exigeant seulement de réfléchir à la notion de maîtrise. Il est aussi nécessaire d’avoir les idées bien claires sur la différence entre création et production, art et technique, artiste et artisan etc. pour les mobiliser dans le traitement de ce sujet. 

Introduction / Problématisation. 

On dit souvent d’une œuvre d’art qu’elle a un auteur et qu’elle appartient à un ensemble constituant l’œuvre d’un artiste. Celui-ci est aussi considéré comme possédant des dons techniques et un talent lui permettant de donner forme à ses inspirations. Sa supériorité par rapport au commun des mortels tient précisément à cette faculté d’imposer à un support la forme qu’il souhaite pour créer un œuvre inédite, représentant  ses aspirations. Par ces différents aspects, l’artiste s’apparente à un maître. Mais la maîtrise technique ne constitue pas le seul aspect de la relation à l’œuvre, sinon l’artiste ne se distinguerait pas réellement de l’artisan. Se demander si l’artiste est le maître de son œuvre revient donc à interroger la spécificité de la notion d’auteur et à voir si elle s’apparente une relation de maîtrise, entendue aussi comme contrôle et possession de quelque chose. 

Or, si l’artiste est bien un maître dans son domaine, il ne va pas de soi qu’il soit le maître de son œuvre dans la mesure où elle lui échappe de plusieurs manières et c’est, justement, en cela que réside la particularité de la définition de l’artiste. En premier lieu, l’œuvre n’appartient pas à l’artiste car celui-ci n’en contrôle pas absolument le processus d’élaboration. En second lieu, l’artiste ne maîtrise pas la réception dont son oeuvre fait l’objet. 

Première partie. L’artiste est l’auteur de son œuvre. 

Une œuvre d’art est une création. Elle suppose donc l’existence d’un créateur et s’apparente  à une forme de production.  L’artiste crée en fonction d’une inspiration, d’un besoin. Même si on lui passe commande, il demeure relativement libre de faire comme il l’entend. Sinon le peintre ne serait, par exemple, qu’une sorte de décorateur et ce n’est pas le cas. L’artiste est donc bien l’auteur de son œuvre et l’on identifie souvent l’un par l’autre, l’un et l’autre. On dit, par exemple, un Matisse, un Picasso comme si la personne du peintre s’incarnait dans ses toiles par la grâce d’un style, d’un talent, voire d’un génie singuliers qui lui sont propres. 

Ici s’établit la différence entre l’artiste et l’artisan (ou l’ouvrier) : tous produisent mais l’artisan agit selon des plans et des objectifs préétablis par d’autres. Il doit respecter des contraintes techniques beaucoup plus importantes liées à la finalité pratique de ses réalisations. Il ne peut donc pas faire ce qu’il veut et n’est donc pas le maître de sa production. 

Deuxième partie. Mais il n’en est pas le maître pour autant. 

Pour autant, il n’est pas possible d’assimiler la notion d’auteur à celle de maître. La relation de maîtrise de ou sur quelque chose implique l’idée d’un contrôle total ou celle d’une possession de cette chose (que l’on pense à la relation maître/esclave). Or, être l’auteur d’une œuvre n’implique pas qu’on la possède de la sorte. 

En effet, lorsqu’il crée, l’artiste ne sait pas toujours où il va ni ce qu’il fait. Au début d’un poème, un auteur choisit des mots pour évoquer les images ou les sentiments qu’il porte en lui mais, très vite, le processus s’inverse : les sonorités des mots font surgir de nouvelles images, les mots appellent les mots qui appellent d’autres images et ainsi de suite. Le poète devient presque le spectateur de l’accomplissement de son poème. Il se laisse aller à l’inspiration de son génie. C’est la raison pour laquelle on a souvent identifié le génie de l’artiste à un don divin : à travers lui se tisserait une relation avec les Dieux qui nous parleraient par son entremise. L’artiste se trouve alors possédé par son inspiration. Il nous enchante car il est enchanté par les Muses, c’est-à-dire sous le charme et donc comme possédé. 

Troisième partie. L’œuvre n’appartient à personne. 

De plus, l’artiste n’est pas le propriétaire de son œuvre au sens où chaque spectateur ou auditeur est libre d’interpréter et de vivre librement sa relation avec elle. Une musique est recréé à chaque écoute, des significations nouvelles surgissent à chaque lecture d’un poème. Nous sommes libres d’interpréter un tableau comme bon nous semble en nous laissant guider par notre état d’âme de l’instant, par nos impressions, par notre connaissance particulière de l’histoire de l’art. 

Contrairement à un objet artisanal ou technique, l’œuvre d’art ne s’accompagne pas d’un mode d’emploi indiquant la façon dont il faut l’utiliser et la comprendre. Aussi, l’artiste accepte-t-il d’être dépossédé de son œuvre dès qu’il la rend accessible à autrui. Il apparaît donc que cette forme de don et cette prise de risque soit profondément incompatible avec les présupposés attachés à la notion de maîtrise. L’artiste ne maîtrise pas le destin et la réception publique de son œuvre. 

Conclusion.

Loin de s’apparenter à une relation de maîtrise, la notion d’auteur exige, au contraire, la faculté de se détacher de son œuvre. Au cours de l’acte créateur d’abord, l’artiste doit pouvoir se laisser aller à son inspiration et se rendre disponible pour l’accueillir, quitte à abandonner en cours de route ses aspirations initiales. Une fois l’œuvre achevée ensuite, il lui faut accepter qu’elle ne lui appartienne plus, au sens où chacun devient à sa manière l’auteur de l’œuvre selon sa façon de l’interpréter, de la vivre voire d’y être indifférent ou de ne pas l’aimer. 

En résumé, la maîtrise technique de son art ne signifie pas que l’artiste est le maître de son œuvre. Il faudrait plutôt dire qu’il en est seulement le maître d’œuvre. 

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Qu'est-ce qu'un artiste? Un artisan est-il un artiste ?

Thèmes abordés.

Artiste, artisan, création utile, artisanat , création artistique , Beaux-arts, oeuvres d'art, production d'art

Résumé du document

L'artiste produit des entités qui sont considérées comme de l'art mais ce dernier n'est que vaguement défini. Nous pouvons appeler art ce qui n'est pas naturel -créé par la nature- mais ce qui est le fruit d'une action humaine. Cette définition fut longtemps celle que l'on garda pour ce mot mais finalement est ce qu'une chose totalement naturelle ne peut-elle pas être considérée comme de l'art ?

• L'art reconnu
• Les artisans, artistes dans leur métier

[...] Sa présence dans divers salons d'art ou expositions ainsi que l'avis donné par les critiques d'art jouent fortement sur la valeur de ses œuvres. Ce qui différencie principalement la production artistique des autres est le fait qu'il faille une certaine culture pour l'apprécier. Tout le monde n'est pas sensible à l'art pour diverses raisons. Premièrement l'acquisition d'une certaine culture, transmise par les générations précédentes, nécessaire à l'appréciation de l'art n'est pas observée chez tous les individus ; ensuite l'art et spécialement l'art moderne- n'est pas forcément beau ce qui peut rebuter plus d'un futur amateur d'art. [...]

[...] L'art artisanal est considéré comme tel, car il est le fruit d'un travail de recherche unique et difficile. De plus pour sa réalisation il demande un savoir-faire qui est propre à chaque artisan, qui a été acquis au cours de la vie, des expériences et des réalisations de ce dernier. Un artiste est donc le producteur d'entités qui sont uniques, dont la réalisation nécessite un savoir-faire et dont l'appréciation éveille un échange entre les observateurs ; ces entités sont des œuvres d'art. [...]

[...] En effet la production artisanale peut être, dans certains cas, considérée comme de l'art. II- Les artisans, artistes dans leur métier Les artisans étaient avant considérés, à juste titre, comme des artistes, mais cette appellation a disparu avec l'apparition de la production industrielle et identique. La production de biens utiles à petite échelle des artisans a été confondue avec la production à outrance de l'industrie ; ces deux dernières sont maintenant logées à la même enseigne. Pourtant la production artisanale reste un art en soi ; le travail de l'artisan, le temps qu'il passe sur chacune de ses productions, l'authenticité et l'unicité de ces dernières font du producteur un vrai artiste. [...]

[...] Un artisan est-il un artiste ? L'artiste produit des entités qui sont considérées comme de l'art, mais ce dernier n'est que vaguement défini. Nous pouvons appeler art ce qui n'est pas naturel -créé par la nature-, mais ce qui est le fruit d'une action humaine. Cette définition fut longtemps celle que l'on garda pour ce mot, mais finalement est-ce qu'une chose totalement naturelle ne peut-elle pas être considérée comme de l'art ? De plus à ces différentes définitions vient s'en ajouter une autre, relativement récente (fin XVIIIe, début XIXe), qui distingue la création utile (artisanat) de la création artistique (dite des Beaux-arts). [...]

• Nombre de pages 2 pages
• Langue français
• Format .doc
• Date de publication 22/04/2016
• Consulté 7 fois
• Date de mise à jour 25/04/2016

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jeudi 31 mai 2018

Corrigé d'une dissertation : l'artiste est-il un artisan , aucun commentaire:, enregistrer un commentaire.

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L'artiste est-il un artisan ? (sept. 2008)

Introduction, i. l'artiste n'est pas un artisan, ii. le « désenchantement du monde » est la cause de cette distinction.

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• Dissertation

6 étapes incontournables pour réaliser une dissertation

Publié le 2 octobre 2019 par Justine Debret . Mis à jour le 31 janvier 2024.

En français, la dissertation est un exercice d’argumentation qui se construit en 6 étapes. Nous allons vous expliquer comment faire une dissertation de A à Z.

Pour faire une dissertation, c’est très simple :

• Lire et analyser le sujet
• Trouver la problématique
• Faire le plan de la dissertation
• Rédiger l’introduction
• Rédiger le développement
• Faire la conclusion

Pour tout comprendre sur comment faire une dissertation, nous allons utiliser un exemple concret issu des annales du Bac S de philosophie de 2019.

Table des matières

1. lire et analyser le sujet, 2. trouver la problématique, 3. faire le plan de la dissertation, 4. rédiger l’introduction, 5. rédiger le développement de la dissertation, 6. ecrire la conclusion, présentation gratuite.

Vous allez devoir produire une réflexion organisée sur un sujet spécifique qui vous est imposé.

Le sujet peut être :

• une question
• un thème ou concept
• une citation

Si vous avez le choix entre plusieurs sujets, sélectionnez celui qui vous inspire le plus et sur lequel vous avez le plus de connaissances. Il faudra le choisir rapidement si vous devez faire une dissertation lors d’un examen de quelques heures (dans les 10 premières minutes).

Une fois le sujet choisi, vous allez devoir définir chaque terme présent dans l’intitulé, afin de mieux le comprendre.

Exemple : Reconnaître ses devoirs, est-ce renoncer à sa liberté ?

Essayez ensuite de reformuler le sujet complètement à partir de vos définitions ou de synonymes.

Reformuler des textes efficacement

Reformulez des phrases, des paragraphes ou des textes entiers en un clin d'œil grâce à notre outil de paraphrase gratuit.

Reformuler un texte gratuitement

Lisez plusieurs fois la reformulation du sujet rédigée à partir de vos définitions. Au brouillon, écrivez toutes les idées qui vous viennent à l’esprit sur le sujet (exemples, auteurs, événements, …).

C’est à partir de ces connaissances et votre reformulation que vous allez pouvoir trouver votre problématique.

Petit conseil ! Utilisez cette question clé : à quel(s) problème(s) ces connaissances tentent-elles de répondre ?

Une question centrale va émerger et c’est à partir de cette dernière que votre dissertation va se construire pour créer un débat où s’affrontent des thèses divergentes.

Le plan d’une dissertation peut prendre diverses formes. L’important est qu’il réponde bien à votre problématique pour que vous évitiez le hors-sujet.

• Utilisez votre brouillon initial sur lequel vous avez noté vos idées.
• Classez ensuite ces idées par thématique ou argument.
• Normalement, vous pourrez arriver à deux ou trois idées principales, divisées en deux ou trois sous-parties qui seront illustrées par des exemples concrets.
• N’oubliez pas de rédiger une transition entre chaque grande partie (conclusion de la partie actuelle et introduction de la partie suivante).

I) Les devoirs de l’Homme, une soumission naturelle et nécessaire ?

1) Les devoirs, un concept pluriel et contextuel -> Expliquez ici quels sont les différents devoirs que nous rencontrons et en quoi il divergent en fonction des cultures et systèmes étatiques. -> L’existence de devoirs pluriels (travail, citoyenneté, devoir par rapport à la famille, devoir scolaire, droits et devoirs de l’Homme).

2) L’Homme contraint par nature ? -> Concept de contrainte imposée par la nature sur l’Homme (la nature de l’Homme). -> Hobbes et “l’Homme est un loup pour l’Homme” : il abandonne sa liberté et vit en société pour survivre car la nature de l’Homme est agressive.

3) L’Homme : un animal social contraint pour sa liberté ? -> Aristote parlait du concept d’”animal social”. -> Le devoir de morale et d’empathie chez Rousseau fait qu’un être est humain (naturellement) et sociable. -> Sartre et son concept de liberté et libre arbitre : l’Homme est libre et responsable de ses actes naturellement (c’est inné). C’est pour cela qu’il peut vivre en société.

– TRANSITION –

II) La libération de l’Homme par le devoir

1) La culture libératrice -> Le devoir nous permet de nous cultiver et donc de nous libérer de la nature qui est en nous (Kant). -> L’école et l’éducation, le vote, … sont des droits et devoirs qui nous libèrent de notre ignorance naturelle (innée) et de la contrainte du déterminisme. -> Freud et les pulsions de l’Homme qui sont contrôlées intérieurement pas le surmoi. La pression sociale et les devoirs sociaux nous permettent de nous libérer de nos pulsions et désirs en les rejetant dans le ca.

2) Le travail comme contrainte de libération quotidienne -> Le concept de travail comme contrainte/liberté (apporte l’estime de soi, mais nous contraint lourdement) avec Platon, Marx (“l’opium du peuple”) et Kant.

3) La reconnaissance comme liberté -> Kant définit l’autonomie comme la capacité à se donner ses propres règles et de les suivre. La liberté ne consiste donc pas à échapper à toute règle, à tout devoir, mais à se les donner et à y soumettre ses actes. -> Exemple du devoir de mémoire des survivants de la Seconde Guerre mondiale : processus de libération psychologique personnelle et rôle de devoir citoyen.

L’introduction d’une dissertation doit suivre une structure stricte. Elle introduit le sujet, la problématique et le plan.

Les parties d’une introduction de dissertation sont :

• Une amorce ou phrase d’accroche.
• L’énoncé du sujet.
• La définition des termes et reformulation du sujet.
• La problématique.
• L’annonce du plan.

Le droit de vote est considéré par les institutions comme un devoir moral pour les citoyens, comme le rappelle l’inscription figurant sur les cartes électorales : « Voter est un droit, c’est aussi un devoir civique ».

Les devoirs explicitent un comportement à suivre ou à ne pas suivre. Ils préconisent la conformité avec une règle. Cette notion semble en contradiction avec celle de la liberté, car le devoir s’opposerait à une impulsion ou un désir qui définirait notre liberté.

Toutefois, cette conception de la liberté est naïve et limitée, car être libre ne consiste pas à faire ce que l’on veut. De même, le devoir ne se limite pas à une contrainte imposée de l’extérieur. Il peut s’agit d’une obligation qu l’on décide de s’imposer librement.

Nous questionnons donc ces concepts en essayant de répondre à la problématique suivante : peut-on vraiment dire qu’on renonce à sa liberté quand on fait le choix de se soumettre à ses devoirs, quand on exerce donc sa liberté avec son libre-arbitre ?

Notre raisonnement questionnera tout d’abord les devoirs de l’Homme comme une soumission naturelle et nécessaire (I), avant d’interroger la possible libération de l’Homme par le devoir (II).

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Faites corriger votre document

Le développement d’une dissertation comporte toujours deux ou trois parties. Si vous faites une dissertation en deux parties, vous devrez rédiger trois sous-parties pour chacune (deux si vous faites trois grandes parties).

Chaque partie soutient une idée centrale qui répond à la problématique, alors que chaque sous-partie s’articule autour d’un argument qui soutient et illustre l’idée directrice.

Vos arguments doivent absolument être illustrés par un exemple !

Entre chaque partie, vous devez rédiger une transition qui conclut la partie précédente et annonce la partie suivante.

La conclusion d’une dissertation est une brève synthèse du développement en indiquant nettement la réponse à la question posée dans l’introduction. Il est aussi possible d’ajouter une ouverture à la fin.

Notre étude a montré qu’au-delà du poids contraignant des devoirs que l’on peut sentir au premier abord, ils n’entravent pas notre réelle liberté. Bien au contraire, nos devoirs nous libèrent de la nature humaine qui est en nous et qui nous rend esclave de nos pulsions, désirs et violence interne. Reconnaître ses devoirs et les accepter, contribue à entretenir notre puissance d’agir et donc notre liberté.

Le concept de devoir reste très lié à celui de droit dans les démocraties occidentales. Le droit de vote est-il libérateur ?

Voici une présentation que vous pouvez utiliser pour vous améliorer ou partager nos conseils méthodologiques sur la dissertation. N’hésitez pas à la partager ou à l’utiliser lors de vos cours :).

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Debret, J. (2024, 31 janvier). 6 étapes incontournables pour réaliser une dissertation. Scribbr. Consulté le 3 juin 2024, de https://www.scribbr.fr/dissertation-fr/comment-faire-une-dissertation/

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Justine Debret

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